르네상스에서 인상주의까지 / 세종문화회관 세종미술관

서울에서는 르네상스부터 인상주의까지 600년 서양 미술사 흐름을 조망하는 대규모 전시가 세 곳에서 열리고 있다. 세종문화회관, 예술의 전당, 국립중앙박물관 등으로 인상주의 전시 기획전이 동시다발적으로 열리는 건 전례 없는 일이다.
행복한 고민 끝에 세종문화회관을 선택하였다. 세 곳 다 보기엔 시간도 비용도 만만찮다. 

12월 6일 세종문화회관 미술관을 다녀왔다. 토요일이라 미술관이 붐빌 것을 감안하여 부지런을 떨었더니 오전 10시 전에 도착을 하였다. 미술관 앞 가게들이 장사 준비로 분주하다. 

 
이번 전시는 르네상스에서 바로코, 로코코, 신고전주의를 거쳐 인상주의. 후기 인상주의와 모던아트에 이르기까지, 서양 미술 600년의 흐름을 한 자리에서 조망하도록 기획되었다. 미국 샌디에이고 미술관의 대표 소장품으로 걸작 65점을 통해 시대별 미술 특징과 대표 작가들을 만나 볼 수 있으며, 이 중 25점은 미술관 개관 이래 해외반출이 한 번도 없었던 작품들로 미국 외 지역에서 최초로 공개되는 걸작들이라 그 의미가 더욱 각별하다. 서양 미술사의 주요 흐름을 한자리에서 경험할 수 있는 이번 전시가 쉽게 접할 수 없는 좋은 기회인 것 같다. 

 

르네상스에서 인상주의까지 / 샌디에이고 미술관 특별전

세종문화회관 미술관( 5호선 광화문역 9번 출구)
25. 11. 05. ~ 26. 02. 22. (연중무휴)

관람시간 : 10:00 - 19:00, 입장마감 18시
관람요금 : 성인 23,000원(특별권 50% 11,500원)

 

특별할인(만 65세 경로우대, 현장 발권)으로 11,500원 티켓팅(은근 기분 좋음)

작품 설명 옆에 카메라 표시가 있는 그림만 사진촬영이 허용된다. 사진을 찍을 수 없어 아쉬웠지만 대신 작품에 집중할 수 있었다. 

 
Section I : 유럽의 남부와 북부의 르네상스
르네상스는 고대 그리스와 로마의 재발견, 그리고 인본주의의 확산을 바탕으로 피렌체와 로마, 베네치아를 중심으로 발전하며 사실성과 이상화를 동시에 추구했다.
이탈리아에서는 레오나르도의 회화 기법이 루이니에게 이어졌고, 북유럽에서는 얀 반 에이크와 뒤러, 보스가 유화를 통해 세밀한 관찰과 상상력을 표현했다.

베르나르디노 루이니, < 막달라 마리아의 회심(겸손과 허영의 우화)>, 패널에 유채, 1520년경

 

이번 진시에서는 레오나르도 다빈치의 제자 중 가장 뛰어난 작품을 남긴 것으로 알려진 베르나르디노 루이니의 '막달라 마리아의 회심'을 비롯해 미술사 속 숨은 명작들이 다채롭게 소개된다. 네덜란드 화파의 선구자인 히에로니무스 보스와 르네상스 시대의 보기 드문 여성 화가인 소프니소바 앙귀솔라 등 한국 최초로 공개되는 작가들의 작품도 선보인다.

히에로니무스 보스, <그리스도의 체포>, 패널에 유채와 템페라, 1515년경

보스는 네덜란드 북부에서 대부분의 경력을 쌓았으며 프라도미술관의 대표작 <쾌락의 정원>과 같은 매혹적인 판타지를 그린 보스의 작품이 1점 있다. 현존하는 보스의 작품은 20여 점에 불과하다. 

소포니스바 앙귀솔라, 스페인왕자(펠리페 2세 추정)의 초상, 캔버스에 유채, 1573년

소포니스바 앙귀솔라는 당대 가장 유명하고 주목받는 여성 화가로 1559년 스페인 국왕 펠리페 2세의 초청을 받아 밀라노에서 마드리드로 이주했다. 펠리페 2세는 앙귀솔라를 어린 왕비 이사벨 데 발루마의 시녀이자 그림 교사로 고용했다.

 

샌디에이고 미술관 2026년 개관 100주년이 된다

 

주말에는 현장 도슨트 가이드는 따로 하지 않고 대신 전시장 1층에서 지하층으로 내려가는 계단이 있는 공간에서(주말 오전 11시, 오후 2시) 강연형 도슨트로 진행을 한다.(아마도 주말 전시장 내부의 혼잡함을 피하기 위한 거 같다)

계단에 편하게 앉아서 자료 화면을 보면서 설명을 들으니 좋았다. 그림 못지 않게 웅장하고 화려한 액자에 눈길이 갔었는데, 마침 도슨트가 액자에 대해서 언급했다. 액자 보존을 위해 관리하는 부서가 따로 있다고 한다.

심성아 도슨트

 

Section II : 바로크
바로크(17세기)는 정치.종교 격변 속에서 과장된 종교화와 일상. 자연 관찰이 공존하며 강렬한 시각 효과가 정물. 풍속. 풍경. 종교화 전반을 이끌었다. 
루벤스는 외교관이자 화가로서 회화를 '자유예술'로 격상시키며 예술가-천재의 현대적 위상을 정립했다.
스페인에서는 수르바란이 <하나님의 어린양>으로 묵상적 '신성한 정물'을 개척했고, 무리요는 세비아의 국제 상업 네트워크 속 폭넓은 후원층을 확보했다. 네덜란드 공화국에서는 독립 장르로서의 정물. 풍속. 풍경화가 번성했으며, 뤼스호(꽃 그림), 마스(초상, 풍속. 분수. 개=순수. 충성 상징), 프렐, 라위스달(후대 바르비종에 영향)이 두드러졌다.

앤서니 반 다이크, <영국 왕비 헨리에타 마리아>, 캔버스에 유채, 1636~1638년경

반 다이크는 1632년 영국 찰스 1세의 런던 궁정에 합류했다. 그의 초상 작품은 주인공을 말을 타거나 말과 함께 있는 기사의 모습으로 표현한 궁정화로 큰 유행을 이끌었으며, 이후 2세기 동안 영국 초상화에 영향을 미쳤다.

 

라헬 뤼스흐, <화병의 꽃>, 캔버스에 유채,1689

식물학자인 동시에 여성 화가인 라헬 뤼스흐가 그린 <화병의 꽃>은 궁정 화가로서 명성을 얻게 될 것을 예고하는 것처럼 돋보인다. 뤼스흐는 당대 가장 높은 수입을 올린 네덜란드 화가 중 한 명이었다.

 

작품을 감상하면서 액자에도 눈길이 갔다. 액자 자체가 시대의 흔적을 품고 있다. 심성아 도슨트에게 액자관련 설명도 들었지만 액자 관리를 하는 부서가 따로 있어야 할 것도 같다.

19세기 특유의 장식적 목재 프레임은 오늘날의 미니멀한 액자와 달리, 화면의 빛과 호흡을 함께 품어내며 또 하나의 시각적 층위를 만든다. 액자조차도 작품으로 느껴졌다.

엘 그레코, <참회하는 성 베드로>, 캔버스에 유채, 1590~1595년경

엘 그레코의 종교화 가운데 가장 오래 사랑받는 작품 중 하나이다. 이 작품 속 성 베드로는 십자가형 전날 그리스도를 모른다고 부인한 뒤 깊은 슬픔에 잠겨 회개하는 모습으로 표현된다. 화면 왼편 배경에는 막달라 마리아가 그리스도의 무덤에서 돌아오는 장면이 보이는데 천사로부터 그리스도의 부활 소식을 듣고 성 베르도에게 전하기 위해 달려가는 모습이다.
이 주제가 인기를 끌었던 이유는 당시의 종교 논쟁과 관련이 있다. 성 베드로의 참회는 반종교개혁 가톨릭교도들이 개신교가 문제 삼던 고해성사를 정당화하기 위해 자주 인용했다.

프란시스코 데 수르바란, <하느님의 어린 양>, 캔버스에 유채, 1635~1640년경

수르바란은 17세기 전반 스페인에서 가장 성공한 종교화가였다. 그의 명성이 아메리카 대륙까지 퍼져 나가면서 그의 그림은 스페인 식민지에 세워진 교회와 수도원을 장식했다. 
이 작품은 평온한 모습으로 누워있는 어린양을 통해 인류의 구세주인 예수를 상징한다. 후광을 띤 양의 모습은 경건한 분위기를 자아내며 관람객에게 깊은 공감과 고요한 묵상의 순간을 선사한다.

아까 도슨트 설명을 들었던 계단이 있는 공간

 

 

Section III : 로코코에서 신고전주의로
로코코는 루이 15세 시기 프랑스와 부르봉 왕가를 중심으로 장식성과 우아함을 앞세워 바로크의 무겁고 종교적인 경향에 반발해 등장했으며, 이 시기 상류층 젊은이들 사이에서는 고전 문명과 예술을 직접 체험하는 ‘그랜드 투어(Grand Tour)’가 유행했는데 이들은 풍경화에 관심이 많았다. 그랜드 투어 유행과 함께 베네치아. 로마의 베두테가 각광받았다. 

신고전주의는 고대 그리스 미학(균형. 대칭. 이상)을 복원하며 바토니, 조각가 카노바, 앵그르가 중심이 되어 확산했다.

 

프란시스코 데 고야, <라 로카 공작 비센테 마리아 데 베라 데 아라곤의 초상>, 캔버스에 유채, 1795년경

생명을 위협하는 중병으로 영구적인 청각 장애를 앓은 고야가 약 2년 후에 그린 이 걸작에는 인간 심리를 꿰뚫는 통찰력이 생생하게 드러난다. 고야가 이 작품에서 공작이(마치 말하는 것처럼) 관객을 바라보며 입을 약간 벌리고 말을 거는 듯한 '말하는 초상화'를 그려냈다는 것이다. 이러한 착시적 효과는 그가 청력을 상실한 이후 실험적으로 시도한 방법이었다.
 

베르나르도 벨로토,<베네치아, 산 마르코 분지에서 본 몰로 부두>, 캔버스에 유채, 1740년경

로코코 시대의 대표적인 베두타 화가인 베르나르드 벨로트의 베네치아  산 마르코 사원이 보이는 풍경화 작품이다. 참고로 베두타는 이탈리아어로 '전망 view'를 뜻하는 말로 도시나 자연 풍광을 정밀하고 세밀하게 묘사한 회화 장르를 의미한다고.

사실 그림을 보면서 사진이 아닐까 하는 생각이 들 정도로 정교했다.

이 작품은 산마르코 유역에서 부두(Molo)를 바라볼 때 가장 눈에 띄는 풍경 중 하나를 담고 있다. 중앙에는 산마르코 광장과 시계탑이 있으며, 왼쪽에는 마르치아나 도서관과 산마르코 대성당의 종탑이, 오른쪽에는 도제의 궁전이 웅장하게 펼쳐져 있다. 

마리 기유민 브누아, <여인의 초상>, 캔버스에 유채, 1799년경

엘리자베스 비제르 브륑과 자크-루이 다비드의 제자였던 브누아는 아카데미 체계를 활용해 당대 가장 저명한 화가 중 한 명으로 성장했으며, 1791년부터 살롱 드 파리 공식 전시에 출품했다. 모델은 고대 그리스에서 영감을 받은 고전적인 드레스를 입고 있는데, 이는 프랑스혁명 이후 유행한 스타일을 반영한다.

 

클로드 모네, <샤이의 건초더미>, 캔버스에 유채, 1865년

1865년 젊은 모네는 동료 화가 피에르-오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬리와 함께 퐁텐블로 숲의 샤이를 찾아 야외 풍경화를 그렸다. 모네가 전시하거나 판매하지 않았던 이 초기 실험작은 훗날 1890년대에 제작된 그의 유명한 건초더미 연작을 예고하는 선구적 작품이다.

 
Section IV :  사실주의에서 인상주의까지
19세기 혁명과 산업화의 거대한 변화 속에서 예술은 사회의 격동을 반영하며 신고전주의와 낭만주의를 지나 사실주의와 인상주의로 나아갔다. 사실주의는 이상적 주제에서 벗어나 현실의 인간과 노동, 도시와 시골의 일상을 있는 그대로 담으려 했고, 이는 인간 경험의 진실성과 사회적 현실을 예술의 중심으로 끌어들였다.

인상주의는 이러한 사실주의의 기반 위에서 발전해, 빛과 색채, 대기와 순간의 인상을 포착하며 전통적 구도와 선묘 중심의 회화에서 벗어나 시각적 감각의 자유를 추구했다. 

 

앙리 드 툴루즈 ㅡ 로트렉, <엘리제 몽마르트의 가면무도회>, 1887년

최초의 음악 공연이 열리는 카페 엘리제 몽마르트는 1840년에 문을 열었다. 1886년 툴루즈-로트렉이 근처에 거주할 당시, 엘리제 몽마르트는 세련된 나이트클럽으로 자리 잡았다. 파리의 밤 문화를 솔직하게 묘사한 것으로 유명한 툴루즈-로트렉 은 예술적 명성과는 달리 평생 건강 문제와 알코올 중독으로 큰 고통을 겪었다.

애드가 드가, <발레리나>, 1876년경

모네가 인상주의적 실험을 시작하던 무렵, 드가는 이미 확고한 입지를 다진 예술가로서 현대 생활과 자포니즘(일본 미술의 영향) 등 새로운 주제와 양식을 실험하고 있었다. 파리 오페라 극장의 리허설 장면을 담은 이 작품은 그러한 시도를 잘 보여주며 역동적으로 잘라낸 구도와 활기찬 붓터치가 돋보인다.
 

메리 카사트, <푸른 보닛을 쓴 시몬느(No. 1)>, 캔버스에 유채, 1903년경

미국의 인상주의 화가 메리 카사트의 작품이다. 카사트는 유럽에서 오랫동안 공부하고 여행을 많이 했었던 화가로 유럽 인상주의를 미국으로 전파시켰다. 자신의 생활 주변과 일상을 친밀하고도 섬세한 시선으로 묘사한 작품을 즐겨 그렸다.

 
Section V : 20세기의 모더니즘
1870~1880년대 인상주의가 전통과 급진적으로 단절하며 프랑스에서 최초의 모더니즘이 등장했고, 점묘주의. 야수파. 나비파. 상징주의 등으로 확장되었다.
20세기 초 예술가들은 공통된 규범 대신 개별적 실험을 추구하며 파리를 중심으로 활동했고, 피카소. 카사트. 모딜리아니 등이 그 흐름을 이끌었다. 보나르와 뷔야르는 툴루즈-로트렉의 시선을 이어받아 급변하는 근대 세계를 비판적이고 사색적으로 탐구했다.

피에르 보나르,<몽퇴 씨의 초상>, 캔버스에 유채,1915년

보나르의 작품 특유의 넓고 평평한 색채와 두꺼운 붓놀림으로 그려진 이 작품은 산업가 마르셀 몽퇴를 묘사한 것이다.
보나르는 20세기에도 인상주의적 탐구를 이어가며 자연의 스펙트럼을 넘어서는 색채와 비 전통적인 원근법을 통해 회화의 새로운 가능성을 모색했다. 

라울 뒤피, <파리의 센 강>, 1904년경

1900년 국립미술학교에 입학한 뒤피는 오랜 화가 생활 동안 여러 차례 화풍을 바꾸었다. 초기에는 인상주의의 영향을 받았으나, 앙리 마티스를 만난 이후 야수파의 열렬한 추종자가 되었다. 이 작품에서 강렬한 색채 구성은 뒤피 작품에서 이 시기를 대표하는 특징을 보여준다.

라울 뒤피,<화가의 집>, 캔버스에 유채, 1935년

 

가장 인기를 끌었던 2 전시실이다. 소로야, 부그로, 발라동, 로랑생, 뒤피, 모딜리아니 등의 작품이 있고, 대부분 촬영도 허락되어 한참을 머무르게 되는 공간이었다. 

소로야 그림은 화풍이 대비되는 부그로의 그림과 나란히 걸려있다

 

소로야는 스페인과 미국 회화에 큰 영향을 미쳤다. 1909년 뉴욕에서 열린 전시는 역대 최다 관람객 기록을 세우며 미국 후원자와 대중 모두에게 그의 위상을 확고히 했다. '빛의 화가'로 불린 소로야는 파블로 피카소나 호안 미로보다 앞서 스페인의 가장 위대한 예술 사절로 평가받았다.  

호야킨 소로야, <라 그랑하의 마리아>, 1907년

이 초상화는 딸이 결핵에서 회복 중이던 시기에 라 그랑하( La Granja)의 왕실 별장에서 그린 작품이다. 

인상주의 화가 소로야의 작품은 국내에 처음 소개되는 거로,  샌디에이고 미술관의 컬렉션에 공식적으로 들어온 최초의 작품이다. 

 

윌리엄 아돌프 부그로, <양치기 소녀>,1885년

부그로는 19세기 프랑스 회화사에서 중요한 위치를 차지한 화가로 공식 파리 살롱전에 꾸준히 출품하며 당대 예술의 중심지였던 파리를 넘어 미술계의 유형을 선도했다. 그의 웅장한 작품들은 정교한 해부학적 묘사와 세밀한 마무리가 돋보이며, 순수하고 목가적인 젊은 여성, 이상화된 자연 풍경 등 다양한 주제를 탐구했다. 비록 그는 인상주의가 거부한 전통적 주제를 다루었지만 일부 풍경화에서는 인상주의적 기법을 실험하기도 했다.

 

마리 로랑생, <나나>, 1927년

로랑생은 당당하게 페미니스트적인 비전에 기반한 자신만의 미학을 확립했다. <나나>는 에밀 졸라 소설 속 인물에서 비롯된 것으로 현대 파리의 자유분방한 기질을 지닌 여성상을 떠올리게 한다. 이번 전시를 준비하며 진행한 세심한 클리닝 과정에서 로랑생 특유의 파스텔톤의 색채를 그대로 살려냈다고 한다. 

조르주 브라크, <개양귀비>, 1946년

1907년 브라크는 파블로 피카소의 작업실을 방문해 <아비뇽의 처녀들>을 접했고, 이를 계기로 두 화가는 함께 작업하며 입체파라는 새로운 미술 양식을 탄생시켰다.

브라크의 초기 회화는 주로 후기 인상주의의 영향을 받았으며 이 정물화와 같은 후기 작품에도 그 영향이 드러난다.

 

수잔 발라동, <창문 앞에 있는 젊은 여인>, 캔버스에 유채, 1930년

발라동은 인상파 화가들의 모델로 활동하며 에드가 드가와 앙리 드 툴루즈-로트렉에게서 그림을 배웠다. 드가는 발라동에게 판화 기법인 에칭을 전수하고, 예술가로서의 길을 적극적으로 격려했다. 

 

아메데오 모딜리아니, <파란 눈의 소년>, 캔버스에 유채, 1916년

모딜리아니의 '푸른 눈의 소년'의 감상 포인트는 그림 왼쪽 아랫부분. 물감이 아직 마르지 않은 상태에서 소년의 어깨 부분에 모딜리아니가 실수로 남긴 뚜렷한 지문을 세 개 발견했다. 육안으로 지문까지 확인하는 건 어렵지만, 빨간 물감이 번진 부분은 알아볼 수 있다. 미술관 측이 이번 전시를 준비하는 과정에서 새롭게 발견했다고 한다.

 

개인적으로 가장 마음에 들었던 모딜리아니의  푸른 눈의 소년을 끝으로 전시장을 빠져나오게 된다. 

중간에 도슨트의 설명을 30여분 정도 듣기도 하였지만 그림을 다 보는 데는 시간이 꽤나 걸렸다. 그 시간이 지루하지 않게 천천히 지나갔다. 다시 되돌아가서 처음부터 한번 더 볼까도 생각했지만 휴일 관람객들이 많아서 다시 보기엔 너무 혼잡하여 마음을 돌리고 전시장을 빠져나왔다. 

 

르네상스, 바로크, 로코코, 신고전주의, 사실주의, 인상주의, 모더니즘까지 서양 미술사의 주요 흐름을 한자리에서 경험할 수 있는 소중한 시간이었다. 

60명의 작가가 남긴 회화 63점과 조각 2점(촬영불가)이 전시되며, 이 중 절반 이상이 한국 최초 공개작이다. 작품 가치가 2조 원이 넘는다는 도슨트의 설명이 있었다. 와! 진짜 대박이다.

 

 

 

아트숍을 나오면 초대형 전시 홍보 게시판이 있다. 로코코 시대의 대표적인 베두타 화가인 베르나르드 벨로트의 베네치아  마르코 사원이 보이는 풍경화 작품이다. 

미술관람은 혼자서 사부작사부작 시간에 구애 받지 않고 이리 보고 저리 보고 감상하는 게 편하고 좋다.

누구랑 같이 와도 좋지만 나와의 데이트도 나쁘지 않다.

작품에 집중하게 되고 나에게 집중하게 되는 느린 시간을 즐길 수 있어 좋았다.